西方音乐常识
前奏曲:结构自由的短曲，常放在结构严谨的音乐或套曲前作为序言。比如巴赫的《平均律钢琴曲集》。
Studi:有两种:(1)一种为乐器技术训练而创作的音乐，往往有特定的技术目的，如车尔尼；(2)一种是为音乐会而作的练习曲，由前者衍生而来，逐渐演变为令人眼花缭乱的艺术作品，如肖邦、李斯特、德彪西、斯特里雅·宾等。
波罗乃兹:它最初被用作贵族沙龙的伴奏，后来被城市作曲家移植到钢琴曲中。肖邦的曲式是三拍、中速、对称、形式严谨，具有丰富的钢琴织体。
奏鸣曲:多乐章的器乐组曲，也叫“奏鸣曲组曲”。它由三个或四个对比鲜明的乐章组成，用乐器独奏或用钢琴合奏。各乐章的基本特征和音乐结构如下:第一乐章为快板，以奏鸣曲形式出现；第二乐章是柔板，形式为变奏曲、复杂三部曲或自由奏鸣曲；第三乐章是小步舞曲或谐谑曲，形式为复杂的三部曲；第四乐章是快板或快板，奏鸣曲式或回旋曲式。
协奏曲:一种乐器或两种乐器与管弦乐队竞争。协奏曲这个词有两层意思:一是“竞争”；一个是“齐心协力”。由此可见协奏曲的特点。在第一乐章的结尾有一段华彩乐段，强调了独奏者的技巧。
教堂协奏曲出现于16世纪，独奏乐器协奏曲基本定型于18年末。莫扎特创作了不同独奏乐器的协奏曲，并建立了沿用至今的协奏曲的音乐结构。19世纪初，贝多芬运用被称为乡村音乐的合作技法，将协奏曲的艺术水平提高到了一个新的高度。协奏曲一般由三个乐章组成。第一乐章，快板，是奏鸣曲式的，经常用丰富多彩的段落装饰。第二乐章多为抒情慢板；第三乐章中的快板，通常是回旋曲或奏鸣曲式。有时在第二和第三乐章之间插入华彩乐段。此外，还有一个乐章的协奏曲。
交响诗:一种只有一个乐章的管弦乐，最早由李斯特创作。他主张把文学和音乐结合起来，用标题来提醒听众。李斯特写了65，438+03首交响诗，后来也有很多作曲家用这种体裁进行创作，比如斯美塔纳、理查？施特劳斯等交响诗、交响画、交响童话、交响幻想曲都属于这一类。
交响乐:充分发挥各种预期功能和表现力来塑造音乐形象的大型套曲，由交响乐团演奏。
序曲:歌剧、清唱剧、芭蕾、其他戏剧音乐、声乐和器乐组曲的开场曲。斯卡拉蒂-意大利序曲；速度快-慢-快；卢瑞-法国序曲，慢-快-慢；18世纪以后，古典序曲多采用奏鸣曲式的戏剧结构。19世纪的浪漫主义音乐家将序曲发展成为独立的管弦乐欣赏的标题。
变奏曲:由一个音乐主题的一系列变化和重复组成的音乐作品。根据变奏的不同，分为严格变奏(包括固定低音变奏和装饰变奏)和自由变奏两种。变奏可以有一个音乐主题或两个音乐主题(即双变奏)。
华彩乐段:意大利歌剧咏叹调中由独唱者即兴创作的一段，通常由独唱插入协奏曲乐章的末尾。华彩乐段的演奏相对自由，难度较大，演奏者可以在这里充分发挥自己的演奏技巧和乐器的演奏。华彩乐段最初是由表演者即兴创作的，后来成为作曲家作品的组成部分。
组曲:由几个相对独立的乐章组成的管弦乐或钢琴曲。一首中国古典组曲通常是由芥茉同调的四首舞曲组成的。现代组曲由选自歌剧、芭蕾、戏剧音乐或电影音乐的几首乐曲组成，还有带标题的交响乐组曲。
套曲:这是一套完整的器乐或声学音乐，包括几个片段或乐章，它是以套曲的形式构成的。器乐组曲主要包括古典组曲、现代组曲、奏鸣曲、交响乐、协奏曲和交响乐，如交响组曲《我的祖国》。
古希腊音乐的形态特征(旋律、节奏、织体、调式系统)
旋律和节奏:古希腊的音乐是诗歌、音乐和舞蹈的三位一体。如中国的《葛之乐》)。其中诗歌的地位远高于音乐，所以旋律和节奏受歌词的抑扬顿挫和长短节奏的影响。
所谓织体，可以分为三类，分别是单音织体(只有一个单一旋律)、复音织体(两个或两个以上旋律同时出现)和主音织体(也叫和声织体，即一个旋律加和声)。古希腊罗马的音乐艺术处于非常初级的阶段，所以还是单音织体。
调式系统:此时调式都以一个部落名称命名，自上而下排列为八度或双八度，以四音系列为基础。在古希腊音乐理论家看来，每种调式都有不同的伦理特征。比如亚里士多德认为多里安调式坚定而充满阳刚之气，弗里吉亚调式能激发热情，吕底亚调式有感伤之意。(有意思的是，中国古代的音乐家离古希腊罗马很远，他们之间没有面对面的交流，但他们也认为音乐具有伦理特征...后来这个特点被人们忽略了。直到现在，人们才意识到音乐的这种功能，尽管它的重要性还没有被广泛重视。相信在不久的将来，至今不被重视的音乐疗法会很受欢迎。).
古希腊的主要音乐流派(各自的形式特征；与文学、宗教仪式和生活的关系):
荷马时代的英雄史诗(伊利亚特和奥德修斯等。)、宗教崇拜音乐(如《太阳神颂》、《酒神颂》)、希腊悲剧和喜剧、独唱抒情诗、竞技比赛中的合唱(本质上不是多声部合唱)、舞曲和器乐独唱。
在西方音乐中，七弦琴是音乐的象征和象征。里拉琴，又称七弦琴。
西方音乐主要指欧洲音乐。由于欧洲历史上统治阶级比较重视音乐，很多音乐家都得到了资助和保护，发展出了比较完善的音乐理论。目前，西方乐理在世界音乐界占据主导地位，欧洲音乐界发展起来的记谱法和作曲程序得到了世界的认可。
西方音乐分为以下八个阶段:
1.古希腊和古罗马的音乐
时间大约是公元前3200年~公元400年。这部分音乐资料只能来源于考古，从出土的绘画、雕塑和少量流传下来的诗歌、文学、哲学著作中可以了解，但几乎不可能去聆听和欣赏。据统计，现阶段剩余的音乐不到10首。但从遗留下来的雕塑等众多文化遗产中，我们可以看到曾经的辉煌和成就。古希腊的大哲学家对音乐有过论述和研究，被后世视为西方音乐的源头。
荷马时期公元前12世纪至公元前8世纪的两部史诗，反映了古希腊的音乐文化。史诗本身既是文学作品，也是音乐作品。它由一名专业演奏者“助手”用一种叫Kisala的乐器伴奏。
公元前776年，古代奥运会开始举行，比赛中经常伴有音乐，后来出现了音乐比赛。
公元前7世纪到公元前6世纪，斯巴达把音乐作为国家活动和教育的重要手段，进一步发展了音乐。
公元前146年后，古罗马征服希腊后，其文化主要受益于希腊，同时吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。
2.中世纪的音乐
公元476年罗马帝国崩溃后，希腊罗马文明衰落。德国人统治着欧洲的西半部，历史上称之为“黑暗时期”，即“中世纪时期”
教会是当时人们生活的中心，在政治、经济、文化上有着重要的地位。艺术家生活在宗教中，所以当时的艺术与宗教有着密切的联系。
这一时期的音乐活动受基督教影响较大，音乐主要以宗教仪式或唱颂歌为主，以功能为主，如格雷果的赞美诗。大部分歌词摘自《圣经》。
特点是旋律波动小，缺乏和声基础，演奏简单。
对中世纪音乐贡献最大的是米兰的安布罗斯主教和教皇格里高利一世。
公元390年左右，安布罗斯推广了赞美诗的双声部合唱，引入了和声，并允许不是僧侣或牧师的俗人参与演唱。是教会音乐的发展和普及。
公元590年至604年在位的教皇格里高利一世编了一套用于庄严礼拜的音乐，并以法律规定祈祷仪式中必须有音乐，形成了一套格里高利圣歌，成为宗教创作的典范。后来，他发展了记谱法。虽然当时没有小节线和五线谱，但使用高低位记谱法的方法为五线谱的发明提供了基础。这个符号只有四行，每行前面有三行。还建立学校培养歌手，在教会的势力范围内大力推广音乐，使教会音乐成为10世纪以前欧洲的主要音乐形式。
3.文艺复兴音乐
文艺复兴时期大约是公元1450-1600年。它在中世纪“新艺术”的基础上，追求人性的解放和人们内心情感的表达。此时，在人文主义的推动下，音乐家们发展和改革了复调音乐，声乐和器乐逐渐分离，独立发展。这期间，五线谱得到了完善，乐谱上也应用了印刷，使得音乐的传播更加方便和广泛。在这一时期，有以下有影响的音乐流派:
荷兰音乐学校
主要音乐活动在荷兰的一群音乐家。创作内容多为散文化歌曲、经典歌曲等宗教音乐，也有世俗音乐。代表人物有迪费、乔斯金、边舒亚、奥凯加姆等。
威尼斯音乐学校
1530-1620中的一个器乐流派，特点是声音气势宽广宏大，对比效果鲜明。创作内容包括铜管与弦乐合奏、管风琴前奏曲、幻想曲与托卡塔。代表人物有维拉特、a·加布列利等。
罗马音乐学校
这一时期，专门创作和服务于宗教作品的音乐流派主要以无伴奏合唱的形式出现。代表人物有帕莱斯特里纳、G.M .纳尼诺、f .索里亚诺等。
4.巴洛克音乐
巴洛克音乐是指文艺复兴之后开始在欧洲兴起，在古典音乐形成之前流行的音乐类型，大约持续了1600年到1750年。
巴洛克一词来源于葡萄牙语单词“Barocco”，意思是形状不完美的珍珠。最初是建筑领域的术语，后来逐渐用于艺术和音乐领域。在艺术领域，巴洛克风格的特点是装饰精美，风格华丽。造成这种现象的主要原因是，巴洛克时期是贵族掌权的时代，金碧辉煌的宫廷中奢华的排场是新文化艺术的发展中心，这种环境的变化直接影响了音乐家的创作。17、8世纪宫廷乐师创作的音乐作品，大多是为上流社会的社会需求而作。为了炫耀贵族的权势和财富，当时的宫廷音乐必须炫耀音乐和非凡的气度，以营造愉快的气氛。
巴洛克音乐的特点是极度的奢华和大量的装饰音。强劲、短促而有节奏的节奏，优美的旋律。复调音乐(复调音乐)仍然占据主导地位，大小调取代了教堂调式，主旋律音乐也在蓬勃发展。所以复调的和声越来越明显。复调音乐在J.S .巴赫时代达到顶峰。
数字低音和即兴创作是巴洛克的重要组成部分，管弦乐队的编制还没有标准化。
5.古典乐
古典音乐是指1730-1820时期欧洲的主流音乐，也称维也纳古典音乐派。这个流派最著名的三位作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。
古典音乐继承了巴洛克音乐的发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或一个时代。这个时代出现了交响乐、独奏协奏曲、弦乐四重奏、多乐章奏鸣曲等体裁。奏鸣曲式和回旋曲式成为古典主义和浪漫主义时期最常见的曲式，影响深远，直到二十世纪。与巴洛克时期相比，管弦乐队的编制有所增加，由指挥带领的管弦乐队逐渐成为一种常规。现代钢琴出现在古典时期，逐渐取代了大键琴的地位。
随着法国大革命对社会的影响，作曲家的生计也受到了影响，从最初的依赖皇宫和教会支持，到独立经营者。
6.浪漫音乐
浪漫主义主要用来描述1830-1850期间的文学创作和1830-1900期间的音乐创作。
浪漫主义音乐是古典音乐(维也纳古典乐派)的延续和发展，是西方音乐史上的一种音乐风格或一个时代。
浪漫主义音乐比之前维也纳古典乐派的音乐更注重情感和形象的表达，相对忽略了对形式和结构的考虑。浪漫主义音乐往往富有想象力，相当一部分浪漫主义音乐受到不切实际的文学作品的影响，具有相当大的标题音乐成分。从古至今的音乐创作中都包含着浪漫主义的因素，而不仅仅是某个时代，因为音乐创作本身就是想象力的体现，浪漫主义就是想象力的最好体现。
贝多芬是古典音乐的大师和终结者，也是浪漫主义音乐的先驱。浪漫主义音乐摒弃古典音乐的统一性，强调多样性，发展和声的作用，刻画人物的特殊品质，更多地运用变调和半音。浪漫主义歌剧的代表是韦伯，音乐的代表是舒伯特。
浪漫主义音乐体现了广泛影响和民族分化的趋势。在法国，出现了柏辽兹、罗西尼、李斯特、肖邦和柴科夫斯基。浪漫主义音乐在瓦格纳和勃拉姆斯时代逐渐进入历史。
7.现代音乐
现代音乐，又称20世纪古典音乐，是指从1900年开始，继承了欧洲古典音乐的一个音乐时代。音乐流派众多，风格多样。在此之前，现代音乐有两个主要的起源:古斯塔夫·马勒和理查·施特劳斯的后浪漫主义学派，以及德彪西的印象主义学派。其任务下的音乐种类繁多，包括布列塔尼的序列音乐和极简音乐，史蒂夫·赖克和菲利普·格拉斯使用的简单三音和弦，皮埃尔·舍费尔的特定音乐，哈里·帕奇、阿洛伊斯·哈巴等人的微分音乐，约翰·凯奇的概率音乐。
在现代音乐之前，欧洲古典音乐家如巴托克·贝拉、马勒、理查·施特劳斯、普契尼、德彪西、艾伍士、埃尔加、荀白克、拉赫玛尼诺夫、普罗高菲、斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇、布里顿、科普兰、纳尔逊等。当时古典音乐也和爵士乐有互动，有些音乐家可以同时在两个领域作曲，比如格什温和伯恩斯坦。
现代音乐的一个很重要的特点就是所谓的传统和前卫是有区别的。那些音乐原则在一方面极其重要的人，在另一方面往往不那么重要或不被接受。例如，魏本斯、卡特、瓦里斯、米尔顿·巴比特等人在先锋领域做出了重要贡献，但他们在这一领域之外却经常受到攻击。随着时间的推移，先锋派的概念逐渐被人们接受，两个领域的划分不再那么泾渭分明，而且出人意料的是，这些先锋技术经常被流行音乐引用:披头士、平克·弗洛伊德、迈克尔·奥菲尔德、超脱乐队、电台司令等知名歌手，以及许多电影中使用的配乐。
必须说明的是，本文只是概述了20世纪的音乐，音乐家在某一方面的贡献并不代表他只在这个领域演奏。例如，斯特拉文斯基在其作曲家生涯的不同时期被视为浪漫乐派、现代乐派、新古典主义和序列音乐的成员。
20世纪的经济和社会模式对音乐也有很大的影响。到了工业化时代，世界逐渐完善了录放设备，从磁带到CD再到DVD，广播电视，整个资本主义语境的嵌入。19世纪的大多数人创作自己的音乐或者在音乐会上听到音乐。
8.新时代音乐(英文:New Age music)也被翻译成新时代音乐，这是一种出现在1970年代的音乐形式，最初用于帮助冥想和净化灵魂，但许多后来的创作者不再有这个出发点。另一种说法是，它不同于以往的任何音乐，因为它的丰富性和多样性；不仅仅是指一个品类，而是一个品类。凡象征时代变迁、阐释精神内涵的改良音乐，均可归入此类，故命名为新时代，即新时代音乐。