音乐剧如何导演和设计？
一部音乐剧的要素包括:配乐、书、主创人员等。创作一部音乐剧的过程一般包括:策划、构思、研讨会、筹集资金、试演、排练、试演、预演、开幕和正式演出。下面给你一个。
音乐──音乐剧的要素之一
几乎所有的美国音乐都是以AABA格式写成的。它是从20世纪初开始逐渐形成的。a是主旋律，要重复三遍，所以很容易被记住。b是一种释放或桥梁，它尽可能与A形成对比。这种手法是当时音乐剧和流行音乐的唯一格式。尽管它有许多局限性，但它仍然对作曲家和作词家进行有效创作非常有益。许多歌曲也有变奏曲，但AABA仍然是一个主要的歌曲创作模式。
当然，也有少量的音乐不使用AABA。然而，从“美国花花公子”科恩到“租金”乔纳森·拉森，所有现代百老汇作曲家的创作核心仍然是AABA。
你可以哼一些著名的百老汇音乐歌曲，你会发现这种模式被反复使用。其实直到60年代重金属摇滚出现之前，这也是流行音乐的创作手法。
一、歌曲风格
用AABA模式创作的歌曲可以表达最戏剧性的情感。而通常有以下几种类型，可以用勒内和罗伊写的《窈窕淑女》来说明。
民谣通常是情歌，比如“在你住的街上”，也可以表达强烈的感情，比如“我已经习惯了她的脸”。
魅力歌曲通常是与听众交流的歌曲类型，能够形成人物与听众之间的情感交流，比如《那岂不是很有爱》。
喜剧歌曲(喜剧号)的目的是为了纯粹的喜剧效果，为了引起观众的笑声，比如《一点点运气》。
音乐场景是混合了对话的歌曲，比如《你做到了》。
传统的美国音乐剧有不同类型的歌曲，但当代音乐剧更侧重于民谣歌曲。
二、歌曲配置
歌曲不是随便插入一部音乐剧，而必须放在一个情绪的小波动中，当对话不足以表达人物的感情时。比如音乐剧《你好，多莉》中，多莉·里夫夫人走下莫格纳花园酒店的楼梯时，她和酒店服务员唱的那首《你好，多莉》就是最强烈的情感表达。如果酒店经理只对她的老朋友多莉说“很高兴你能再来”，可能更接近现实，但也太平淡了。
作曲家和作词人必须和编剧讨论歌曲的配置，这已经成为音乐创作的规律。在大多数音乐剧中，还有另外三点非常重要:
开场音乐通常设计在结尾。比如《罗马广场路上发生的趣事》的开场音乐，原本是一首情歌《爱在空中》。考虑到被浪漫情调感染的观众只能用前半段时间逐渐适应后期的喜剧风格，桑德汉姆后来用一首煽动性的歌曲《今夜喜剧》替换了开场音乐，整个音乐剧的结构在替换后变得自然。《窈窕淑女》中，片头曲“为什么英语不教孩子说话？”在安排了长时间的对话后被释放。(为什么英国人不能教他们的孩子怎么说话？)。
三、歌词:要不要押韵？
歌词押韵吗？答案是肯定的。节奏对于音乐剧中的歌曲非常重要。自1880年代以来，威廉·吉尔伯特大师为音乐剧的历史写下了光辉的一页。
对于词人来说，最有效的武器之一就是节奏，尤其是在喜剧中。一部好的音乐喜剧应该有创作韵、结尾韵、中韵或腰韵和头韵。
尾韵是最常见的韵，各种复杂的韵都要在此基础上形成。因为大多数剧诗都有明确的戏剧使命，篇幅相当长，其押韵方法又不能押韵到底，所以多用变韵和跨韵。
腰韵是指戏剧诗中的一些长句通常是由格式相同的短句和短语组合而成，使这些短句或短语押韵，形成一个变化的统一体。有时在36小节的合唱中，可以混合使用各种押韵；顾名思义，头韵就是第一句的押韵。当然，头韵也可以用十字形式。当各种押韵形式语音色彩相近时，也可以混合使用，这就是押韵的灵活性。当然，主导韵和混合辅韵也是要有区别的。
桑德汉姆写的《太平洋序曲》里有一首歌《菊花茶》，还有一句歌词“一种药草，对海上的扰动来说是出神入化的”(意思:那是一种令人迷惑的药草)。
在科尔·波特的音乐剧《吻我，凯特》中，有一首歌《温习你的莎士比亚》，还有巧妙的押韵，“十恶不赦-科廖拉纳斯”(意为:可恨-卡罗拉纳斯)和“大惊小怪-努辛斯”(意为:大惊小怪-无理取闹)。
创作韵是音乐创作的重要工具。科尔·波特的民谣《我从你身上得到一种快感》有一个著名的“五韵”:“高飞的家伙——害羞的我”。这首歌在65438-0934的《一切都好》中由埃塞尔·门曼第一次演唱时，就给观众留下了深刻的印象。
巨老师在《戏曲艺术概论》中对“戏曲诗”有详细的论述。戏剧诗是文学、戏剧、音乐的联姻，既有文学性又有音乐性，是普通歌词、歌词所不具备的独特戏剧性。同时，音乐要赋予戏剧诗形象化和具象化的特征，从而实现两者的和谐交融。与严肃的大歌剧相比，音乐剧的诗性创作在戏剧性强度和与情节的紧密结合方面不如大歌剧，但在抒情性和通俗性，在描写和生动揭示人物内心情感的自然流动方面，有着不可比拟的特点和优势。作为一个用文字写作的剧作家，在挖掘某一类文字的内在节奏、韵律和形式美时，要表现出深厚的文学修养和创作技巧。奥斯卡·汉默斯坦是这方面的专家。他的戏剧和诗歌，和诗词歌赋一样，都遵循传统的韵脚，具有朗朗上口的韵律美。
除了增加戏剧诗的节奏感和形式美，在创作中还可以运用大量的修辞手法。当然，除了这些形式手法的运用，歌词最重要的是把歌词放在音乐剧的语境中，揭示人物的情绪，表现戏剧冲突。
第二节音乐剧本
音乐剧剧本(书)，又称“唱词”，很少有人注意，但却是音乐剧创作中最重要的戏剧元素。音乐剧的剧本必须根据故事的叙事结构安排歌词。
多年来，大多数百老汇音乐剧的剧本都是由歌曲之间的一系列场景、笑话和视觉设计组成的。大部分音乐剧都是以悠扬的音乐和大明星的表演为主。所以在过去，当阿尔·乔尔森演唱与故事无关的歌曲时，或者当玛丽莲·米勒小姐跳那些耀眼的踢踏舞时，观众就会感到满意。
到了40年代，随着观众欣赏水平的提高，自然对音乐剧提出了更高的要求。从《朋友乔伊》到《困惑的女人》《俄克拉荷马》，剧本和音乐的配合很重要。如今，为了体现音乐剧的娱乐功能，有时演员会暂停剧情，唱歌或跳舞。
很多专家发现，如果一部音乐剧有满分，但剧本很烂，这样的音乐剧是不会成功的。如果音乐一般但故事结构经得起推敲，成功的几率要高得多。毕竟不管是电影、话剧还是音乐剧，首要的是讲好故事。
音乐剧本必须具备以下原则:
使情节线索发展清晰；
写人物唱歌时的场景；
尽可能让歌曲的进入流畅自然；
写大部分发展成歌舞的情节和人物；
让观众始终充满热情；
塑造创新人物，不要落入俗套；
当然，这一切最重要的是把它编织成一个有核心的故事。由于一部音乐剧至少有50%的时间是分配给歌舞的，所以并不是所有的编剧都能轻松写出音乐剧剧本。
一、如何适应？
大多数音乐剧改编自小说，如《悲惨世界》、《国王与我》等。有些来自《俄克拉荷马》和《你好，多莉》等戏剧。有的来自《小夜曲》《九岁》等电影；有些改编自历史人物传记，如雷克斯、乔治·M、埃维塔等。其中有些改编自历史事件，如《致我的夫人》和《费奥雷洛》。
一旦一部图书音乐剧被选中改编，创作团队必须首先决定音乐适合故事的何处。不是所有的故事都适合音乐形式，有些悲剧气氛太浓的故事似乎更适合大歌剧。选择乐舞的出发点，最重要的是找到一个可以让人物有更多情感表达的空间，比如在从希望到欢乐，从失望到最后胜利的过渡中找到一个唱歌跳舞的机会。
歌曲能让观众在情感上融入角色。如果某些角色的戏剧功能还不足以让我们去关注，这样的故事就不适合音乐剧改编。
在塑造历史人物时，歌曲要巧妙设计。因为也许很多观众是带着自己的个人概念走进剧场给这个熟悉的历史人物的，创作者必须意识到这一点。音乐剧《1776》成功让历史人物约翰·亚当斯和托马斯·杰斐逊唱了起来，美国观众并没有感到不适。然而，当它在伦敦上演时，英国观众对该剧感到厌恶，并在几周后被迫停演。如果说角色本身没有什么可爱之处，那么无论明星有多大，反映亨利八世残暴故事的音乐剧《雷克斯》就是一个失败的例子，即使杰克·罗宾森、玛丽莲·梦露、泰迪·卢斯·威尔特等人加盟。
二、场景结构
和非音乐手段表达的戏剧一样，一部“改编音乐剧”必须有一个明确的结局，才能延伸故事。由于好的音乐和歌曲总是应该抓住过度情绪的时刻，所以一首歌或一首重新诠释的歌通常可以让音乐剧的结尾感觉不拖沓。
这也是为什么歌词作者必须尽可能的和作曲家、作词家一起合作，他们可以一起决定歌曲更合适的位置，尽可能的避免插入时的生硬感和裂缝。理想情况下，剧本应该和乐谱一起写，比词前的词，或者词前的歌要好。
现代音乐剧的剧本通常是两幕，观众非常熟悉。与演出有关的物品可以在幕间休息时出售。但时间不能太长，否则观众会对精彩的娱乐节目不耐烦。如果是三幕音乐剧，剩下的要安排在两个场景后面。独幕剧看似简单，现实却没那么简单。《拉曼查的音乐剧人》是一部独幕剧，经常让编剧们恼火的是，演出还是会被幕间休息打断。
所以对于创作音乐剧的剧作家来说，需要为幕间休息找一个合理的茬。一般来说，第一幕不会以扣人心弦的结尾。还要给观众一个期待。以下是第一幕结束时一些成功的音乐剧:
在《屋顶上的提琴手》中，恐怖的大屠杀迫使婚礼被迫中断。主角杜威和他还在受疾病折磨的家人会怎么样？
在《窈窕淑女》中，丽莎和诡计多端的语言学家佐尔坦·卡帕斯开始跳舞。她的秘密会被发现吗？希金斯教授的工作会被毁掉吗？
在《悲惨世界》中，第一幕结束时，观众会问这样的问题:第一幕中的人物在即将到来的大革命中有没有转危为安？
如果第一幕的结尾看起来构思不周，对整部作品都不好。《相约圣路易斯》的舞台版把“电车之歌”设计成了梦境场景，对第二个故事的发展意义不大。舞台版《国事》以歌曲《这是一个歌唱的盛大夜晚》结束。这首歌很给力，但对第二幕的剧情一点帮助都没有。这两部作品都失败了，虽然都有优秀的配乐，但首要原因是其电影的叙事结构不适合改编成两幕音乐剧舞台版格式。